A moins que l’on ne connaisse déjà l’artiste et sa côte sur le marché de l’art, acheter une œuvre d’art est loin d’être facile. Appréhender un achat dans une galerie traditionnelle peut s’avérer intimidant.
Avec le web, la démocratisation de l’art est en marche…
Avec KAZoART, une nouvelle génération de galeristes démocratise l’achat de tableau en présentant une sélection d’artistes et proposant leurs œuvres sur un site e-commerce.
Cette initiative a le mérite de faire se rencontrer des artistes et un public qui n’aurait peut-être jamais eu accès à leurs œuvres.
La vente en ligne présente de nombreux avantages :
- vente directe depuis les ateliers donc pas de stockage et de coût d’exposition pour un prix des œuvres accessibles même aux collectionneurs les plus modestes (les budgets de moins de 100€ peuvent trouver leur bonheur pour une œuvre originale),
- garantie sur le transport,
- possibilité de retour sous 30 jours,
- fiche de présentation des artistes et des œuvres détaillées,
- service client pour prendre des conseils.
Une sélection d’artistes qui représente tous les courants artistiques
Créée par une équipe de professionnels passionnés par leur métier de galeriste mais aussi de commissaire d’expositions et d’artistes, la galerie en ligne de KAZoART a la volonté de rendre l’achat d’œuvres d’art contemporain accessible en présentant les artistes par courant artistique de l’abstrait au figuratif, du pop art à l’impressionnisme en rappelant les principes et références de chaque courant.
Parcourir les différentes galeries est ainsi une jolie occasion de découvrir de nouveaux univers artistiques ; et avant d’acheter une opportunité de développer sa sensibilité artistique gratuitement.
Au-delà des courants artistiques, les supports d’expression sélectionnés permettent également à chacun de rencontrer l’œuvre qui va lui donner son premier frisson de collectionneur : peinture, aquarelle, photographie, sculpture… Une rencontre artistique vous attend pour vous permettre d’apporter à votre intérieur la touche d’originalité que vous recherchez.
De Gainsbourg, à Boltanski, Didier Lestrade, Kenzo… les photomatons de 71 personnalités se retrouvent dans ce livre qui nous plonge dans le milieu artisique et festif des années 70 et 80. Les photos révèlent la naissance de la jeune scène des artistes et créateurs de mode des années 70 à Paris. Et raconte la mutation de la société.
Le jeune Gilles, encore adolescent a commencé à faire des photomatons en attendant le bus, au Havre. Il en donnait à des amis, puis il a eu l’idée de les garder et de les coller sur un support. C’est l’œuvre qu’il a présenté aux examens pour son diplôme des beaux-arts du Havre. Il n’y avait que des photos de lui. Puis il rencontre Pierre à la fête Kenzo, en septembre 1976, lors de l’ouverture du magasin de la place des Victoires et très vite, ils se mettent à travailler ensemble et créer l’œuvre que l’on connaît. Dans les années qui ont suivi leur rencontre, ils ont continué, ensemble et avec leurs amis, à faire des photomatons. Notamment dans une cabine à Bastille, disponible 24 heures sur 24 car située en plein air.
Les photos réunies sont un reflet de leurs jeunes années, les années punk. « Il ne s’agit que des bons moments de la vie, où l’on s’amuse, où l’on est jeunes et beaux, explique Gilles. On se croyait un peu les rois du monde. Ce fut un enchaînement de trucs bien jusqu’à l’ouverture du Palace où on a connu l’apogée des grandes soirées. On n’a jamais payé un verre au Palace, on se nourrissait là-bas, on allait dîner au Privilège ». « On rencontrait plein de gens, on découvrait plein de choses… On ne pensait pas à demain, on vivait au jour le jour », ajoute Pierre. Parmi toutes ces rencontres, beaucoup de personnalités du monde de la mode.
De nombreux amis dans la mode
Christian Louboutin qui venait les voir, âgé d’à peine 15 ans. « Il imaginait déjà des chaussures et en parlait beaucoup. Je le voyais dessiner sur son cahier, et je pensais, c’est superbe, même si ça me paraissait impossible à réaliser. Il avait toujours des idées incroyables ». Avant de rencontrer Gilles, Pierre était photographe et travaillait un peu pour les magazines de mode. « J’avais des amis modèles comme Zuleika, Jay Johnson, Juan Fernandez, Annie Ferrari… J’avais aussi des amis stylistes comme Irié, l’assistant de Kenzo, Tokio Kumagai, Thierry Mugler… J’allais beaucoup au Club 7 où tout le monde se retrouvait pour boire et danser. C’était l’époque des premiers défilés de mode à grand spectacle. Tout le monde voulait y assister, c’était la débrouille pour pouvoir entrer ». L’histoire qui se poursuit jusque dans les années 1986-1988…. Réunies, ces photos constituent une histoire illustrée de leur vie. Gilles a d’abord fait revivre cette collection sur Facebook en 2010, pour ses amis, en les commentant. C’est là que Thomas Doustaly leur a proposé d’en faire un livre et de l’éditer.
Autobiographie en photomatons de Pierre et Gilles paraît le 16 mars. 
Comme en 1999, des oeuvres de Keith Haring se retrouvent cette année reproduites sur toutes sortes d’objets : Lecteurs MP3, agendas, posters, objets d’art de la table, thermos, plateaux, tasses… Et une exposition lui est consacrée au Musée en herbe à Paris jusqu’au 1er mars 2012 Les hiéroglyphes de Keith Haring.
Ami de Jean-Michel Basquiat, Madonna, Andy Warhol, Grace Jones… c’est l’un des rois du popart. Il est mort du Sida en 1990 à l’âge de 31 ans. Il représente des personnages sous forme de silhouettes rayonnantes ou dont les mouvements sont soulignés.
Lecteurs MP3 et casque audio Lenco www.letslenco.com
Gourdes Sigg www.sigg.fr
Agendas Quo Vadis http://quovadis.eu/
All Posters http://www.allposters.fr/
plateau http://www.arteum.com/
Pour la 6e année, Courchevel accueille pendant toute la saison, du 3 décembre au 27 avril, l’exposition photographique « Les Sommets de l’Image ». Accessible aux skieurs et piétons, et visible sur les quatre niveaux de la station de Courchevel, cette exposition à ciel ouvert a pour thème Le Maroc. Une exposition de 52 photos qui promet un dépaysement maximal avec ses vues du désert, de l’océan et de la méditerranée. Photographes : Cécile Tréal, Jean Michel Ruiz et Jacques Bravo.
Vue de la station, photo hommeurbain.com :
Article sur le même thème paru sur la première version de mon blog http://hommeurbain.over-blog.com/article-exposition-photo-a-courchevel-pour-la-preservation-de-la-planete-44254704.html
Je vous propose aujourd’hui une petite interview, sous forme de verbatim, d’un très grand photographe qui pose sur la ville un regard comme nul autre, Mister Blad. Il nous explique comment il est devenu photographe et comment les paysages urbains sont devenus son thème de prédilection.
“Je suis passionné de photo depuis l’âge de 16 ans et j’ai obtenu mon premier emploi de photographe à 18 ans. Depuis 1999, je travaille au sein d’un grand laboratoire professionnel à Paris, ce qui me permet de côtoyer énormément de photographes professionnels, dont quelques grands noms de la photo. Voir leur travail au quotidien a aiguisé mon œil. Mais cela m’a aussi conduit à abandonner certains sujets comme les modèles vivants et les portraits. Je voulais faire aussi bien que les meilleurs. Mais je me trouvais moyen : Mes images avaient tendance à être des copies des photos de mes mentors. Comme Fred Goudon qui est “la” référence pour moi. Depuis 3 ans, grâce aux encouragements de mon ami et galeriste G. Ortega, j’ai trouvé ma voie dans les photographies Urbaines. Mon Oeil se reconnaît maintenant dans mes prises de vues et certains collectionneurs commencent à me suivre. Je suis un puriste argentique. Je travaille au moyen format Hasselblad. Ce format carré donne à mes images un style qui devient peu à peu ma carte de visite. Le fait de travailler en argentique m’oblige à soigner dès la prise de vue, le cadrage, la lumière de la photo. Je ne pratique aucune retouche”.
Tirages originaux limités et certifiés
http://facebook.com/misterblad
Exposition permanente à L’Atelier 1 Rue Nollet, 75017 Paris.
Avec la numérisation est née une nouvelle forme d’art pictural utilisant l’ordinateur comme outil de travail. L’image est travaillée comme un collage. Pionnier de cette technique, Guillaume Ortega nous explique comment il travaille et quel est le sujet de son art.
Comment procèdez-vous ?
A partir de visuels de notre quotidien, slogans, images de presse, publicitaires, politiques, que je réorchestre de façon optimiste. Je travaille aussi sur le souvenir. Mon objectif est que quiconque puisse, en regardant une de mes toiles, retrouver un souvenir, un détail qui lui est propre, qui sert de clé pour entrer dans la toile. Et à partir de cette porte d’entrée, découvrir ce qui est autour. Même chose pour les outils de réalisation et les matières. J’utilise ceux qui sont propres à mon temps. Même si je peins à l’acrylique, mes principaux outils sont l’ordinateur, la photo numérique, la giclée (technique d’impression), et la superposition de différentes colles et vernis. Ma technique actuelle s’apparente au collage, le procédé avec lequel j’ai débuté en tant qu’artiste. Je travaille sur les couleurs, car je veux que ce soit gai, frais, facile d’accès. Pour les portraits, je pars d’une photo. Et je mets en scène le visage avec une multitude d’éléments propres à la personnalité de la personne. Cela implique une phase de rencontre où la personne me parle de ses centres d’intérêt, de ce qu’elle aime, etc. J’aime que les gens verbalisent ce qui restait non-dit et que mes toiles servent de traits d’union entre les individus.
Quel est le sujet de vos toiles ?
Je travaille beaucoup sur ce qui est urbain, les tags, les graphes, les affiches, les détails. Je m’attarde sur ce qui m’entoure. Sur les murs je découvre des symboles et des inscriptions, comme ce « Sex », en plein Marais sous une porte cochère, ou ce « Nik la pub », métro Bastille. Des mots qui sont des pointes d’humour ou qui racontent nos histoires et notre époque. Il faut prendre le temps de regarder autour de soi. Je veux être un témoin de mon temps. Montrer ce que tout le monde peut voir. Je ramène la rue chez moi. J’essaie de faire ressortir le positif, le constructif et le beau. Pour cette raison, je travaille sur la couleur.
Comment êtes-vous devenu artiste peintre ?
J’ai baigné dans un milieu où l’art avait toute sa place. Mon père est antiquaire. J’ai toujours aimé les belles choses. Quand j’étais adolescent, j’ai pris des cours au conservatoire et des cours de dessin. Ensuite, j’ai étudié le droit, puis la philo, un an, avant de m’inscrire en médiation culturelle option arts plastiques. J’ai commencé à peindre à l’huile à ce moment-là, et ainsi à m’initier à la couleur. Puis, je me suis mis à beaucoup sortir et à collectionner les flyers et à en faire des collages autour du milieu de la nuit. J’ai travaillé sur les effets de perspective et la mise en scène. Ensuite, je me suis mis à la photo. Parallèlement, j’ai été salarié chez Aides puis à l’Education nationale comme animateur du foyer socioéducatif d’un collège. Ces expériences de terrain m’ont permis d’être confronté à la toxicomanie, à la précarité et de prendre conscience des maux de la société. Le contact avec les ados a ensuite fini de me rassurer sur la nature humaine.
Exposition permanente l’Atelier, 1 rue Nollet, 75017 Paris
Ouvert les samedis et dimanches de 14h à 20h et sur RDV au 06 61 63 18 37 – www.ortega.fr – www.facebook.com/atelier.nollet
Prochaines expositions :
A partir du 26 Mai à la Galerie Elisabeth Couturier 25 rue Burdeau – LYON
Du 1er au 5 Juin – GMAC de BASTILLE – Chapiteau stand N°88 – PARIS
Obey clothing fête aujourd’hui ses 10 ans avec une réédition de Tee-shirts graphiques de l’époque.
En 2000, Shepard Fairey avec son collectif d’amis lançait une première collection de vêtements à l’effigie de ses oeuvres et graphiques. Cet artiste de rue est l’auteur de la célèbre affiche “Hope” du Président Barack Obama.
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